Ruth Asawa, alma fina de alambre
Apenas tenía 16 años cuando ella y su familia fueron encerrados en un campo de concentración en su propio país. Como otros 200.000 estadounidenses de ascendencia japonesa durante la Segunda Guerra Mundial, la familia de Ruth Asawa fue detenida y apresada sin más motivo que su origen cultural y su apellido, en uno de los episodios mas oscuros y vergonzosos de la historia reciente del país. Aún más: después de ser liberados siguieron padeciendo las consecuencias. Asawa tenía desde muy joven una fuerte inclinación creativa y trató de convertirse en profesora de arte, pero le denegaron el título universitario que la acreditaba como tal, obtenido en Milwakee, debido al clima antijaponés de la posguerra. Sin embargo, Asawa encontró un camino, sensible e íntimo, para convertirse en una de las artistas contemporáneas más destacadas de su país, a quien el Museo Guggengeim de Bilbao dedica la primera retrospectiva de su obra con una exposición de 250 piezas que ha sido organizada por el San Francisco Museum of Modern Art y el MoMA de Nueva York.
Al ver cerrados los caminos en su propio país de nacimiento, Asawa tuvo una iluminación en la periferia, fuera de las fronteras: en un viaje a México se fascinó con la artesanía manual del alambre para las cestas. Se volcó con la técnica hasta dominarla, intuyendo que la suma de los filamentos metálicos daba origen a una forma de escultura, hueca por dentro, pero con un emocionante potencial para hacer formas casi orgánicas. A la artista le recomiendan ingresar en la Black Mountain College, en Carolina del Norte, donde queda fascinada por un método de aprendizaje que combinaba filosofía, matemáticas, música y danza, y conoce a su gran maestro, Josef Albers. Allí produce sus primeras obras, influidas por la danza y el movimiento y combinadas con la abstracción. Una mezcla de formas naturales y patrones matemáticos que van acompañadas de las primeras cestas, fabricadas en alambre continuo, convirtiendo un larguísimo rollo de hilo metálico (a veces cobre, otras hierro o latón) en volúmenes que flotan como nubes de humo negro. Asawa se interesa en esos años por el origami, el arte japonés de hacer figuras de papel. "Le fascina la capacidad de una hoja plana para crear volúmenes, que es, en el fondo, lo que hace ella con un material aparentemente incompatible con el volumen, como es el alambre", explica Geaninne Gutiérrez-Guimarães, una de las co-comisarias de la muestra.
Asawa continúa perfeccionando la técnica de retorcer y enhebrar este material, creando formas dentro de formas, cortándolas en el punto exacto en que se despliegan como membranas, lóbulos o capas de apariencia vegetal. Elabora complejas piezas colgantes que se parecen a medusas o a microorganismos marinos. Otras veces adoptan la forma de fluidos de distinta densidad capturados por una fotografía, atrapados unos dentro de otros. Conos, esferas, bucles.
La artista fue expandiendo su vocabulario a medida que aprendía la técnica de retorcer el alambre, a tejerlo, a ampliar su escala y aumentar la sensación de ingravidez y dejarse admirar por la sombra fina que dejan en el suelo estas piezas que no son por completo ni opacas ni translúcidas. Con el avance de las décadas, su trabajo se vuelve más explícitamente inspirado por la naturaleza. Recibe un regalo: una planta seca del desierto del Death Valley cuya forma alambicada y retorcida le inspira una nueva fase de creación. Los finos alambres ahora son cables de acero de considerable calibre que se convierten en ramas y que incorporan el vidrio y las resinas, como verdaderos árboles. Formas geométricas y botánicas que conforman su propia perspectiva de la abstracción, el lenguaje que empieza a dominar el mundo del arte. Asawa fue contemporánea de muchos de esos grandes artistas y precursora del minimalismo. También fue coetánea de Alexander Calder, gran renovador de las esculturas con sus móviles. Sin embargo, su obra no obtuvo tan alto reconocimiento. "Durante mucho tiempo, su trabajo fue encuadrado en los arts & crafts (las artes decorativas). Por suerte, su obra sí ha sido correctamente valorada por los críticos en los últimos 20 años", dice la comisaria de la exposición que matiza que en su ciudad, San Francisco, logra convertirse en un icono. Varias de sus obras urbanas todavía se pueden ver en las calles de la ciudad del Golden Gate, donde Asawa se implica en distintos proyectos comunitarios y cargos públicos.
Sin embargo, en 1985 Asawa fue diagnosticada de lupus y sus facultades físicas se vieron mermadas. Convirtió su casa en su taller y su jardín de flores en su inspiración. Sus seis hijos creaban junto a ella. Y Asawa seguía, retorciendo cable con sus manos cada vez más endurecidas, escuchando "lo que dicta el alambre" para reproducir modelos del mundo natural. Para intentar atrapar el alma fina como el alambre de las cosas.
La fuente de origami
Con el tiempo, el Gobierno de Estados Unidos pidió perdón a los japoneses-americanos. Testigo del dolor causado quedó, sin embargo, "Fuentes de origami" (1975-1976), pieza concebida para el barrio japonés de San Francisco, que aborda de frente la memoria de todos aquellos que fueron privados de libertad y mirados con odio durante unos años atroces que, ojalá, no vuelvan a repetirse.