Luna Bengoechea: «El alimento es punto de partida para hablar de lo que somos»

Decía la canción: «Con un poco de azúcar esa píldora que os dan / La píldora que os dan / pasará mejor». ¡Error, Mary Poppins! Sobre todo dirigiéndose al público infantil. Precisamente 'Holy Sugar' es el título de la nueva entrada de Luna Bengoechea (Gran Canaria, 1984) en el CAAM , donde alerta una vez más sobre los excesos de la industria alimentaria, que nos definen como individuos y sociedad. No es todo dulce lo que reluce... Noticias Relacionadas estandar Si ARTE Atracones, del museo a la galería. La industria alimentaria, a debate Javier Díaz-Guardiola estandar Si Arte Todos los caminos conducen a Lanzarote Javier Díaz-Guardiola —¿Cómo definiría 'Holy Sugar', en la Sala San Antonio Abad, su segunda entrada en el CAAM? —En términos generales, 'Holy Sugar' es un compendio de obras que llevan gestándose desde hace años dentro de mi trayectoria artística. Desde hace más de una década, mi labor gira en torno a las problemáticas de la industria alimentaria. Recientemente he intentado trabajar directamente con materiales alimenticios, y, en este caso, la exposición se vertebra alrededor del azúcar como ingrediente estrella de esta industria en multitud de alimentos procesados que consumimos. En realidad, es un guiño al azúcar, pero habla de algo más general como es la alimentación ultraprocesada e industrial, con su cierto componente místico... —De ahí el título. —Que se refiere a la sacralización de la industria alimentaria que tenemos hoy, desmitificando el lenguaje del márketing y la publicidad que emplea. —Es cierto que el azúcar es uno de los ingredientes más adictivos y peligrosos, pese a su apariencia inofensiva. —El azúcar como ingrediente me permite hablar de muchas cuestiones en esta exposición. Me permite hablar del gusto, de lo amable, de lo agradable, pero también de la adicción. Es fundamental porque está muy presente en la industria alimentaria para fomentar el consumo de procesados, que rebosan harinas y aceites refinados, edulcorantes, dando pie a alimentos muy 'palatables', diseñados para generar un gusto agradable y, con ello, una adicción. El azúcar inhibe la sensación de saciedad y nos invita a que reclamemos más y seamos cada vez más tolerantes a su ingesta. Te referías a su carácter inofensivo: una de las obras de la muestra se ocupa de alimentos dirigidos al público infantil... —Que es casi la clave... Los cereales del desayuno, por ejemplo, algo básico de nuestra alimentación, y a lo que recurrimos a diario. El márketing se sirve de ciertas mascotas y personajes de dibujos, eslóganes con frases motivadoras, que generan que la sociedad tenga una percepción saludable y amable de todo esto, lo que naturaliza el consumo excesivo de azúcar. Esa es la parte más perversa de la alimentación, cuando está dirigida al público infantil. Cuestión de (mala) fe. Sobre estas líneas, detalle de 'Cuestionable Friends' y vista de la instalación 'Race for the Taste'. Arriba, 'Holy Sugar', vidriera realizada con cristal de azúcar para la sala San Antonio Abad —Basta leer el muro de esa pieza a la que hace referencia, 'Race for the Taste', para darnos cuenta de que esos eslóganes llevan décadas taladrándonos la cabeza. —Desde nuestra más tierna infancia. De hecho yo creo que pertenezco a la generación que más ha sido víctima de ese bombardeo marketiniano. Ahora la situación ha cambiado un poco, pero somos muchas las personas que nos hemos criado con estas mascotas y estos animalitos animándonos a consumir procesados. —Dice el comisario que aquí convergen diferentes líneas que han marcado su trabajo desde un punto de vista conceptual y técnico. ¿A qué se refiere? —Se refiere a cómo el trasfondo, el discurso del trabajo ha sido siempre el mismo, pero no la manera de presentarlo. Lo he abordado desde perspectivas distintas en función del proyecto. En este caso, da pie a una exposición compuesta de pintura, de óleo sobre tabla, a una intervención en el suelo con azúcar refinada y pigmentada con colorante alimentario... Hay también una vidriera realizada con cristal de caramelo y que es la obra más reciente: esta técnica es la primera vez que la uso. La cita cuenta además con dibujo, con una pieza más instalativa de pared… El conjunto es la convergencia de procesos y técnicas empleados durante años y que aquí dan pie a un discurso unificado. —Si no me falla el dato, fue una vivencia personal la que le llevó a preocuparse por estas cuestiones. ¿Significa eso que hubo una Luna Bengoechea artista anterior, con otros intereses? —Pues curiosamente, esto me lo he planteado yo muchas veces: antes de enfocar el trabajo artístico en estas cuestiones alimentarias, sí que había una Luna Bengoechea preocupada por la relación entre el ser humano y la Naturaleza desde otra perspectiva, como la pintura de paisaje, otro tipo de obras de un momento muy inicial en el que no había terminado mi formación, pero en el que estas preocupaciones se mantenían de forma latente. Fue una experiencia personal que tiene que ver con la salud la que me hizo cambiar mi dieta por completo y plantearme mi manera de alimentarme de otra forma lo que hace que agarre el tema del alimento desde una perspectiva más clara y como excusa para hablar de muchas otras cosas. —¿Cómo cuales? —Me doy cuenta de que a través del alimento también puedo hablar de nuestra sociedad, de un contexto histórico, de nuestro modo de vida, de la manera de relacionarnos con la Naturaleza, con nuestros orígenes… Eso estuvo presente y sigue presente. —Sí que comenzó desde la bidimensionalidad de la pintura, que ahora combina con otras técnicas. Quizás los bodegones de 'Flow' sean los que más le conectan con esos inicios, aunque solo sea técnicamente. —Yo creo que sí. La pintura fue la primera técnica, el primer lenguaje con el que me sentí cómoda. Cuando estudiaba, me especialicé en ella y a través de ella pude indagar en otras técnicas sin el miedo de arrastrar un poso academicista. 'Flow' conecta con esa parte, hacía mucho que no pintaba, y tenía ganas. Además no deja de ser una revisión del género del bodegón clásico. Mis primeras pinturas también lo referenciaban, aunque empaquetado. Ahora presento bodegones distorsionados, bodegones más oscuros y barrocos que dialogan con esos inicios. —Su trabajo se plantea hasta qué punto la industrial alimentaria nos transforma como seres individuales y como sociedad. ¿A qué conclusiones inverosímiles o que pasan desapercibidas ha llegado? —Lo cierto es que no he llegado a muchas conclusiones determinantes, me gusta hacer la pregunta, porque así es como yo lo vivo, en un cuestionamiento constante: ¿Qué nos está pasando? ¿En qué hemos cambiado? Me cuestiono que nos beneficia y que nos perjudica de todos estos cambios. Cambios en la manera de vivir, la manera de relacionarnos con el alimento en este ritmo acelerado de vida, en esta falta de tiempo para ser reflexivos, para los cuidados y autocuidados. Todo eso está implícito en la manera como nos alimentamos. —¿La globalización influye en la dieta? ¿Estamos cargándonos la mediterránea de forma más o menos consciente? —Pienso que sí. De alguna manera se homogeiniza la manera de alimentarnos como se globaliza todo lo demás. La publicidad no atiende nunca a las particularidades locales de cada región. Por eso creo que tendemos a una alimentación cada vez más homogénea, como hemos visto en España o en otros países. McDonald es ya una empresa que funciona en cualquier país y cualquier cultura. —En esta exposición no se ocupa de los transgénicos, que sí que incluye en 'Pan y circo', la exposición en Madrid que también analiza el impacto de la alimentación en el individuo. ¿Cómo explicaría esa serie? — En esa exposición de Conde Duque participo con unas piezas escultóricas de 2016 de la serie 'It's Alive', que indaga en los límites entre lo natural y lo artificial. Son esculturas de resina acrílica que están intervenidas con una tinta invisible pero sensible a la luz ultravioleta, de forma que si usamos la iluminación adecuada vemos cómo las semillas de cada fruto están resaltadas. Así hacemos alusión a la modificación genética de las semillas y a ese origen inicial del que la Naturaleza nos provee pero que nosotros somos capaces de modificar, patentar y especular. ¿Hasta qué punto es legítimo ese juego? —Sí que utiliza la luminiscencia en los dibujos que entran en San Antonio Abad. —Son unos papeles que conectan con la serie 'It's Alive' y que ahondan en la idea de lo natural y lo artificial. Son ilustraciones botánicas de diferentes frutos a los que acompaña un aroma, una tira de olor, que hace referencia al fruto representado. Sin embargo, ese olor no es otra cosa que aromas que utiliza la industria alimentaria para generar un sabor similar. Es curioso cómo muchas veces el sabor a fresa, a limón o a naranja de estos aromas nos resulta familiar pero nada tiene que ver con el natural de la fruta. Cuando una fresa industrial sabe más a fresa que una fresa. La luz ultravioleta aplicada a estos dibujos desvela la composición química y molecular de los ingredientes de estos aromas sintéticos que sustituyen al fruto original. —Fue en Madrid que arrancó la temporada de su galería en la capital, la de Lucía Mendoza. El proyecto 'Salinas' nos traslada a otro ingrediente, la sal, aunque aquí los intereses eran paisajísticos y medioambientales. —Como te comentaba, hace años comencé a trabajar con el alimento como material. La idea era generar propuestas empleando granos y semillas o, como en este caso, la sal, así como otros elementos orgánicos que me permitieran hacer intervenciones con productos adquiridos localmente y que no generaran residuos, piezas que son efímeras, como la alfombra de azúcar del CAAM. En el caso de 'Salinas', que como bien dices se expuso en la galería Lucía Mendoza desde septiembre, eran alfombras generadas con sal marina, con las que intervenía en distintas salinas del archipiélago canario para visibilizar estos espacios, muchos en desuso, cuando no abandonados, para lanzar una llamada de atención sobre entornos que son patrimonio natural y paisajístico en las islas. Lo que no se ve. Sobre estas líneas, obras de la serie de bodegones 'Flow' y del conjunto 'Flavor', en las que con una luz ultravioleta se descubre los componentes químicos de distintos sabores alimenticios. Arriba, detalle de la instalación 'Sin título' —¿Sigue teniendo en cuenta el impacto medioambiental, la idea de reciclaje, en sus obras, sobre todo las efímeras? —Sí, está presente. Es una búsqueda constante de tratar de ser coherente con mi propia manera de vivir a la hora de plantear los proyectos. Me gusta tener esto en cuenta. Algunos son redondos, los que son locales, no generan residuos. Con el resto, intento llegar lo máximo posible a esta intención. En la exposición de Canarias puedo contar como anécdota que en la planta superior de San Antonio Abad hemos instalado una vidriera realizada con cristal de caramelo en alusión al misticismo de las imágenes religiosas. Yo quería colocar unos bancos delante para aludir al momento introspectivo en el que te reclinas a orar en una iglesia. Conseguimos que el propio museo, en cuyo edificio, un antiguo hospital, se conservaba una capilla, nos facilitara unos reclinatorios de madera de esa sala, almacenados y guardados, que ahora están presentes en la cita como una parte más de la exposición. Me gusta esta reutilización. —No es la primera ni la única artista preocupada por las cuestiones alimentarias desde el arte. ¿Qué cree que la singulariza? —No lo sé. Pienso que me centro sobre todo en ser coherente conmigo misma, con el trabajo. Eso singulariza per se a cualquier artista. Para mí es básico establecer una línea y responder a mis propias inquietudes. —¿Teme la presión de la propia industria a la hora de trabajar? —Hasta ahora no he tenido problemas. Creo que tendría que ser mucho más conocido el trabajo, mucho más popular. Afectar tanto a la industria que tuviera que darme un toque, pero no es así. Aunque estamos ahí en la lucha... Soy consciente de que muchas de estas imágenes tiene copyright. Pero aún no he tenido problemas… —¿Da el asunto para dedicarle toda una carrera? —Sí da. Llevo diez años. Para mí es algo muy importante, un motor, y no ha cambiado tanto la sociedad en esa década como para yo sentir que el tema está obsoleto o que no es interesante. Además, creo que lo importante es que a través del alimento hablamos de muchísimas otras cuestiones que tienen que ver con lo social, con lo político, con lo cultural… Incluso con lo espiritual: de qué manera nos relacionamos con nosotros mismos, con el alimento. Eso forma parte de nosotros. No tengo miedo. Y si en algún momento dejara de interesarme por lo que fuera, pasaría a otra cosa. Me seguiría moviendo por mis impulsos, que es lo que hago ahora. Y ya se verá. —¿Cree que comemos mejor, peor o igual que hace diez años? —Somos más conscientes de lo que comemos. Cuando empecé, ni yo misma tenía una conciencia de lo que significaba alimentarse de manera saludable. Nunca había escuchado hablar de lo que era un ultraprocesado. Ahora lo soy, como lo es la sociedad. Pero buena parte de ella no. Se ha avanzado, y eso se refleja en el número de proyectos artísticos en la línea con los que contamos hoy en día. El tema es fundamental en muchos proyectos. Eso es un indicador de algo, que la cuestión sube a la palestra. Yo soy optimista. Luna Bengoechea 'Holy Sugar'. Sala San Antonio Abad. CAAM. Las Palmas de Gran Canaria. C/ Dan Antonio Abad, s/n. Comisario: Adonay Bermúdez. Hasta el 26 de febrero de 2023 —El otro día pude ver en una gran superficie huevos fritos en 'blister'. Quizás la concienciación individual es mayor, pero la colectiva, es algo más difícil de precisar. —Los consumidores y consumidoras somos más conscientes. De ahí a que la industria haga un cambio real todavía queda. Ella sigue proponiéndonos cada vez nuevos productos industriales porque es rentable. —¿Y qué le pide al año nuevo? —Tras los dos proyectos grandes de este 2022, me planteo el 2023 de manera más reflexiva, sin exposiciones individuales a la vista. Quiero iniciar un periodo pausado para ser consciente de todo lo que ha ocurrido. He solicitado una beca de producción al gobierno de Canarias porque me gustaría seguir desarrollando la línea de dibujo, pero de una manera más pausada para ver qué puede salir de aquí en adelante.